Guía fotografía básica
Taller de fotografía en Tenerife
Hola chicos, que tal!!!
Antes de nada, gracias por haber escogido el taller de fotografía en Tenerife Mirando con Actitud edición Iluminación y Retrato.
Para mi es un honor compartir mis conocimientos y experiencias con ustedes.
Y para que la práctica sea aún mejor, he preparado una guía de fotografía básica para repasar algunos puntos importantes.
Comencemos entendiendo que internet se ha convertido en un verdadero banco de datos. Encontraremos tutoriales, artículos, vídeos, textos, opiniones, debates, etc. sobre cualquier tema que busques. Y la fotografía no es la excepción.
En Carlos Negrín Fotografía creemos que impartir solo teoría en nuestros talleres sería más de lo mismo.
Por esta razón y en apoyo a nuestra filosofía de enseñanza, hemos decidido implementar una dinámica de estudio conocida como “aula invertida” donde con anterioridad al taller de fotografía en Tenerife, compartimos algunos conceptos básicos para que los asistentes se familiaricen con los temas a tratar.
La idea en concreto es enfocarse más a la práctica.
No es lo mismo aprovechar el taller de fotografía para practicar y aclarar dudas, que escuchar solo la teoría, para luego en casa, practicar lo visto y que surjan dudas.
Así que te proponemos que leas esta sencilla guía de fotografía básica.
Queremos que aproveches al máximo el taller de fotografía en Tenerife de iluminación y retrato para que al finalizarlo seas capaz de hacer un buen retrato.
Estos puntos serán igualmente conversados durante el taller de fotografía en Tenerife. Así que si no comprendes algo no te preocupes. Llévate anotadas tus dudas y hazlas durante la jornada de preguntas que realizaremos en cada punto.
Primero que nada, queremos que te respondas estas 2 preguntas.
- ¿Cuál es tu retrato favorito y por qué?
- ¿Qué te inspira?
El primer y más importante consejo: CONOCE TU EQUIPO
¿Quién no ha encendido su cámara sin leer el manual?.
Este es un consejo obvio, pero algunos se saltan esta recomendación y luego sufren las consecuencias.
Aunque se trate de una compacta de funcionamiento evidente, antes de lanzarse a hacer fotografías, conviene dedicarle el tiempo preciso a ese documento físico o digital.
Las cámara fotográficas vienen con una configuración estándar y en muchas ocasiones debemos modificarlas.
La ventaja es que podemos adaptarlas a nuestros requerimientos. Haciendo mucho más cómodo y sencillo su uso.
Como todo, esto no es algo definitivo, con el tiempo iras cambiando y ajustando según tu evolución.
Recuerda que tu cámara es una extensión tuya y como tal debes conocerla y dominarla.
Algunas de las funcionalidades que más me gusta son:
- La disociación del botón de enfoque y el botón de disparo.
- Aviso de altas luces
- Escoger el tipo de almacenaje (JPEG vs RAW)
- Dispara sólo cuando tengas tarjeta de memoria
- Escoger el modo de medición adecuado
- Fecha y hora
- El balance de blancos
AHORA HABLEMOS UN POCO DE LUZ!!!
GESTIÓN DE LA LUZ EN FOTOGRAFÍA
La apertura del diafragma del objetivo, la velocidad de obturación y la sensibilidad (ISO) forman el llamado triángulo de exposición de la cámara. La configuración de esos tres parámetros permite gestionar la cantidad de luz que recoge el sensor desde la escena.
ISO: la medida en la cámara digital de la sensibilidad del sensor de luz.
Velocidad: la cantidad de tiempo que tarda el lente al abrir y cerrar.
Apertura: El tamaño en que abre el lente cuando la imagen es tomada.
Exposición de la fotografía: la combinación que de estos tres elementos al tomar la luz es el resultado de la calidad y los efectos en la fotografía. Esta puede ser manual o automática.
Cada uno de estos elementos será impactado por el otro, no se puede olvidar uno de ellos aún en modo automático.
EXPOSICIÓN
La exposición es la cantidad de luz que recibe el sensor al hacer una fotografía.
Cuando decimos que una foto está expuesta correctamente queremos decir que se asemeja bastante a los niveles de claridad y oscuridad de la escena que estamos fotografiando. Es decir, en conjunto, las celdas han recogido la cantidad de luz adecuada para producir una imagen fiel de la escena.
Una foto sobreexpuesta es aquella que muestra una claridad exagerada que no corresponde con la realidad de la escena. Si el nivel de sobreexposición es muy alto decimos que la foto está quemada: muchas celdas del sensor han rebosado (han alcanzado el 100% de su nivel) y se ha perdido mucha información sobre esa escena, las partes claras con sus diferentes tonos aparecen en la fotografía como blanco puro, y no corresponde con la realidad.
Una foto subexpuesta es aquella que muestra una oscuridad que no corresponde con la escena. Si la subexposición es muy exagerada perderemos toda la información de tonos y niveles de gris de las partes más oscuras de la escena, se dice que se empastan las sombras, no se pueden apreciar formas ni texturas en esas zonas en negro.
Entre la sobreexposición y la subexposición hay un margen subjetivo más o menos amplio que dependerá de los gustos y criterios de cada fotógrafo.
DIAFRAGMA (Apertura) de la cámara
El diafragma permite regular la cantidad de luz que entra en la cámara y la profundidad de campo también.
Midiendo la apertura del diafragma
Se mide con una escala que marca la cantidad de luz que entrará en la cámara:
f/1.4 – f/2 – f/2.8 – f/4 – f/5.6 – f/8 – f/11 – f/16 – f/22 – f/32
Lo más abierto que puede estar un diafragma es en f/1.4 y lo más cerrado, obviamente es en f/32.
Cuando tomamos fotografías en exteriores en días soleados con mucha luz el diafragma necesita estar bastante cerrado para que entre poca luz al sensor y la imagen no se sobreexponga.
Practiquen, saquen la misma fotografía varias veces, con aperturas distintas, hasta que se les adiestre el ojo a la apertura necesaria para cada tipo de iluminación.
SI EL DIAFRAGMA ESTÁ MUY ABIERTO LA PROFUNDIDAD DE CAMPO SERÁ MUY PEQUEÑA Y SI ESTÁ MÁS CERRADO TENDREMOS UNA GRAN PROFUNDIDAD DE CAMPO.
La apertura que tu precisas determina el tamaño en que el diafragma del lente abre, dejando un hueco pequeño o grande. Mientras más grande la apertura, más luz
Para regular la entrada de luz a la cámara podemos modificar o bien la velocidad de obturación o bien la apertura del diafragma. Para modificar la apertura, lo haremos con la cámara en modo manual. Según el número que coloquemos pasará más o menos luz a la cámara.
Las distintas combinaciones entre velocidad de obturación y apertura nos darán las claves para el correcto manejo de una cámara en manual.
“Por último decir que la apertura tiene consecuencias directas en la nitidez de la imagen final y sobre todo en la profundidad de campo de la misma.”
ISO
ISO o ASA es un término que viene de la fotografía del carrete fotográfico, el cual indicaba cuan sensitivo a la luz era cada carrete que le poníamos a la cámara. Esta sensibilidad estaba medida en números que podían ir desde 100, 200, 400, 800, etc. Mientras más bajo el número menos sensible a la luz y más finos los “granos” en las fotografías.
En la fotografía digital el ISO mide la sensibilidad del sensor de imágenes. Y los mismos principios aplican del carrete fotográfico al digital. Los números altos del ISO se utilizan para situaciones oscuras para tomar con altas velocidades aunque las fotografías tienden a tener granos. Los números bajos donde hay mucha luz.
El ISO considerado como normal es 100 y te dará fotografías definidas con pocos granos.
VELOCIDAD del OBTURADOR
No es nada más y nada menos que el tiempo (fracciones de segundo) que se abre el obturador para dejar entrar luz en la cámara y así captar la imagen de la fotografía.
Cuando tomamos una fotografía en modo normal o “automático” lo hacemos con una velocidad de obturación estándar. Pero esta se puede modificar para hacer más rápido o lento el proceso, lo que provocará que entre más o menos luz.
Obturador: Parte de la cámara que controla la entrada de luz que llega al sensor de imagen. Ésta es, simplemente, la velocidad a la que se abre y se cierra el obturador de una cámara. El obturador no es más que el dispositivo que regula el tiempo durante el cuál le llega luz al sensor (o película) de la cámara.
MAYOR VELOCIDAD = MENOS LUZ (llega al sensor)
MENOR VELOCIDAD = MAS LUZ (llega al sensor)
COSAS QUE PUEDES HACER CONTROLANDO LA VELOCIDAD DEL OBSTURADOR
- Congelar imágenes: capturar los elementos en movimientos congelados o estáticos. Carros, deportes, corriendo, volando. Sensación de movimiento congelado se consigue con velocidades ALTAS del obturador.
- Captar movimiento: cuando se captura el movimiento de los objetos. Cuando el movimiento no es congelado si que se capta el mismo movimiento como un celaje de luz. Crea una sensación de movimiento. Se consigue con velocidades BAJAS del obturador.
- Efecto seda: se utiliza mucho en el agua para captar el movimiento del mismo. Otro ejemplo con la velocidad baja del obturador.
- Pintar con luz: a velocidades bajas, podemos crear efectos con objetos que desprendan luz. La situación ideal es en lugares con poca luz.
COMPOSICIÓN
- Regla de los tercios
Esta es la más importante de todas y se deriva de la famosa proporción áurea.
Divide la imagen en tres tercios tanto horizontales como verticales y tendrás como resultado cuatro intersecciones de líneas.
Estos puntos de intersección se conocen como puntos fuertes y es donde debemos colocar el objeto de interés para que nuestra fotografía tenga un mayor impacto.
Si activas la cuadrícula de tu cámara te ayudará a hacer un buen encuadre desde el principio y no tener que recurrir después a los programas de edición.
En el caso de que tengas más de un objeto que quieras situar como centro de interés, entonces trata de ubicarlos en los distintos puntos fuertes. En el caso de haber 2, procura que estén en puntos fuertes opuestos, tu composición te lo agradecerá.
Lo ideal es aplicar la regla antes de disparar, pero gracias a los programas de retoque podrás hacer que tus fotos cumplan esta regla aún no habiéndola seguido en el momento del disparo.
- Ley de la mirada :
Es muy importante dejar espacio en la zona a la que la persona, mirada u objeto se dirigen, de lo contrario dará sensación de “apretujado”.
- Proporción de los objetos
A veces fotografiamos un monumento enorme con una persona delante que apenas se ve. ¡Pídele que se acerque más a la cámara, no muerde!
- Líneas
Nos ayudan a dirigir la mirada del espectador al objeto de interés y también a transmitir mayor o menor dinamismo, según sean verticales, horizontales o diagonales. Pero ojo, éstas deben centrar la atención y no distraerla.
- Ley del horizonte
No sólo sirve para fotos de paisajes en las que tengamos un horizonte, sino también para cualquier línea de la imagen que nos ayude a dividir la composición en dos partes diferenciadas. Traza dos líneas imaginarias que seccionen la imagen en tres partes iguales y coloca el horizonte en el tercio superior o inferior según lo que quieras destacar. Si tienes un cielo espectacular, puedes colocar la línea del suelo en el tercio inferior y dejar los dos tercios superiores para el cielo. Nunca dejes la línea de horizonte en el centro a no ser que lo que estés fotografiando sea una simetría.
Y no olvides que lo ideal es que la línea del horizonte esté completamente recta.
- Marcos naturales
Una ventana, un marco de una puerta, o la vegetación pueden ayudar a enmarcar tu objeto de interés creando un mayor impacto.
- Rellena el encuadre
Rellena el encuadre con el protagonista y elimina todo lo que moleste en la imagen, acércate si es necesario y no dejes espacios vacíos, a no ser que utilices intencionadamente la técnica contraria del Espacio negativo. Ésta se utiliza más en blanco y negro y sobre todo transmite calma, soledad, aislamiento…
- Altura y perspectiva
Prueba a agacharte o a tirar las fotos desde un ángulo más alto y observa cómo te gusta más. Si haces todas las fotos de pie, tendrán menos impacto. Para fotografiar niños o mascotas, ponte a la altura de sus ojos.
- Regla de los impares
Aunque lo impar puede ser considerado en muchas ocasiones como un signo de imperfección, en otros casos transmite cierto encanto y eso es lo que pretende reflejar esta regla.
¿EN QUE CONSISTE EL EQUILIBRIO VISUAL? 
El peso visual es la capacidad que tiene un elemento de una composición de atraer la mirada de aquel que mira la imagen. Cuanto más peso visual tenga algo, más atraerá la atención del ojo. ¿Qué hace que algo tenga más peso visual que otro elemento?
#1. El tamaño: un elemento grande tiene más peso visual que un elemento pequeño.
#2. La posición: un elemento en una posición baja, tiene más peso que uno en una posición alta. Además, un elemento situado a la derecha siempre tendrá más peso que uno situado a la izquierda.
#3. La distribución: un elemento tendrá más peso visual si se encuentra aislado que dentro de un grupo.
#4. La forma: las formas cerradas, geométricas, regulares y/o reconocibles tendrán más peso visual que el resto de formas.
#5. El color: los colores cálidos tienen más peso visual que los colores fríos. Los colores saturados pesan más que los desaturados. Y los colores oscuros pesarán más que los colores claros.
#6. El contraste: un elemento que genere contraste respecto al resto de elementos tendrá más peso visual.
Una imagen atractiva visualmente suele ser aquella que tiene sus pesos visuales bien distribuidos, esto es, que está equilibrada. ¿Cómo podemos saber si una imagen está equilibrada?
Se trata, por norma general, de percepciones bastante subjetivas y que necesitan de un ojo bastante entrenado en este aspecto. Sin embargo, es tan sencillo como convertir una imagen a simples figuras geométricas:
Es oportuno conocer que el ojo occidental está acostumbrado a empezar a leer los textos por arriba a la izquierda, a la hora de leer las fotografías, ocurrirá lo mismo.
¿COMO APRECIAR UNA FOTOGRAFÍA? ¿COMO DEBEMOS LEERLA?
Una fotografía debe analizarse desde varios puntos, ver qué es, qué significa y qué intenta significar.
Podríamos estar analizando planos de información de manera casi eterna, sin embargo, lo indispensable para analizar profundamente una fotografía es analizarla a estos niveles:
- A nivel narrativo: qué nos está contando la historia. Ver lo que se nos quiere hacer llegar y lo que en realidad se nos hace llegar. Analizar esa historia a nivel expresivo: ¿tiene fuerza? ¿es una historia clásica u original? ¿tiene valor por sí misma o hay otros elementos que le dan valor a la imagen como, por ejemplo, la composición?
- A nivel compositivo: Cómo están organizadas las cosas que hay dentro del encuadre. Si está pensado, si está organizado de antemano, si es natural. ¿Nos cuenta algo la composición?
- A nivel técnico: ¿Cómo se ha utilizado el lenguaje fotográfico en la imagen? ¿Está ésta correctamente expuesta? La profundidad de campo, la velocidad de obturación, la sensibilidad… ¿son las que deberían ser? Y si no lo son… ¿por qué? ¿aporta esto algo a la imagen?
Sin embargo en este punto cito a Michael Freeman. Su opinión al respecto es que hay tres cosas importantísimas que deberíamos saber para poder apreciar buena una fotografía:
- El propósito: qué quería hacer el fotógrafo.
- El estilo: por qué decide tratar el tema de un modo diferente.
- El proceso: cuáles son las circunstancias reales que permitieron que la fotografía se llevara a cabo tal como se realizó.
AHORA REVISEMOS UN POCO DE HISTORIA…
El origen del Retrato: para conocer su origen, deberemos saber que mucho antes de la cámara fotográfica existían lienzos y pinceles, y mucho antes ya se usó el carbón vegetal y tintes naturales… todo esto nos debe llevar a considerar aquellas pinturas rupestres como los primeros retratos de la historia. En cierta medida, todos tenemos nuestro «puntito» exhibicionista y practicamos un hedonismo, unas veces involuntario otras con demasiada conciencia. Mucho más tarde de aquellas prácticas pictóricas, descubrimos que el retrato en la pintura definía clase social, estatus. Reyes, marqueses, emperadores, todos ellos se mostraban a pintores para perpetuarse. Sin embargo, la llegada de la cámara fotográfica revolucionó el concepto del retrato, sobre todo por la fidelidad del resultado. Si bien en la pintura, se dejaba «cierto margen» al artista para exhibir al retratado, en la fotografía no había opción a la interpretación.
La llegada de la fotografía y el consecuente auge por el retrato fotográfico llegó a pensarse como un posible fin de la pintura. Pero en cambio lo que sucede es que el nuevo medio libera a los pintores de la necesidad de abocarse al realismo de la representación en sus pinturas y da espacio a la aparición de una mirada más personal sobre los temas pintados. Liberada entonces la pintura, la fotografía se vuelve el medio a través del cual las distintas clases sociales, podían fotografiarse, inmortalizarse.
“Mandarse a hacer un retrato” era un acto simbólico por el cual los individuos de una clase social ascendente manifestaban su ascenso.
En España, el retrato como género autónomo nació en el entorno de la corte, donde sirvió para fijar la imagen del rey y su familia, trasmitiendo no sólo los rasgos físicos, sino un complejo concepto de Estado, de dinastía y de sociedad. Desde mediados del siglo XVI, los retratos de corte mostraban sin apenas variaciones el aspecto solemne, grave y distante de los Austrias españoles, sin que importara el sexo o la edad del individuo. El atrezzo que acompañaba estas imágenes (escenario, muebles, vestimenta, joyas y armas) completaban esa sugestión de poder hasta convertirse en fórmulas estereotipadas que pervivieron hasta bien entrado el siglo XVIII, aunque la llegada en 1700 de la dinastía Borbón a suelo español, introdujo nuevas maneras en la corte.
La muestra describe el desarrollo estilístico del género, las tipologías retratísticas, así como los diferentes significados sociales que ha tenido el retrato en España, un género al que se dedicaron los artistas más importantes de nuestra pintura: el Greco, Sánchez Coello, Velázquez, Carreño de Miranda, Murillo, Goya, Vicente López o Federico de Madrazo y Sorolla, pero en el que tienen cabida algunos de los mejores pintores europeos vinculados en algún momento con nuestro país, comenzando por Tiziano y Antonio Moro, los grandes conformadores del retrato de corte en España.
En la actualidad, el retrato es una disciplina que basa su éxito en lograr expresividad en el rostro humano. Por lo general, los retratos con pocos elementos, funcionan muy bien. Aquellos realizados con mayor profusión buscarán complementar la expresión con una mayor información o mensaje, aunque deberán tener asimismo una cuidada distribución de elementos. Hay una cierta polémica sobre qué se considera como retrato. Conceptualmente es una descripción de la persona, una imagen que permite visualizar sus rasgos y obtener datos adicionales sobre cómo viste, en qué trabaja, cuáles son sus gustos… Sin embargo, debe haber en la práctica, una definición más objetiva sobre lo que se considera como retrato. La forma científica de aproximarse al tema podría ser mediante el ratio facial: Cuánto ocupa en un encuadre la cara del sujeto. Ambos puntos de vista pueden ser formalmente correctos, aunque son controvertidos.
Figuras de interés en el campo del retrato fotográfico: Richard Avedon, Brassaï, Walker Evans, August Sander, Annie Leibovitz y Arnold Newman entre otros.
ADENTRÉMONOS EN EL MÁGICO MUNDO DEL RETRATO EN ESTUDIO, INVESTIGUEMOS UN POCO DE TÉCNICA Y DE LOS PRINCIPALES ESQUEMAS DE ILUMINACIÓN.
Uno de los deseos de casi todos los fotógrafos que comienzan a dar sus primeros pasos es, tener su propio estudio fotográfico.
Este sueño puede ser mucho más cercano a la realidad de lo que te imaginas. ¿Has oído hablar acerca de la filosofía Strobist? ¿Sabías que el equipamiento necesario para comenzar es mucho más accesible de lo que te imaginas?
No hace falta que esperes a ser un profesional que gane miles de euros para que te pongas a armar tu propio estudio fotográfico.
STROBIST es una utilización creativa de los flashes portables.
La técnica del strobist se puede utilizar prácticamente en cualquier tipo de fotografía.
La ventaja principal de los flashes de strobist, es la portabilidad. El poder desplazar todo un equipo de iluminación fotográfica profesional a cualquier sitio. La comodidad añadida del tamaño (ya que son flashes pequeños). La no dependencia de los flashes de estudio para realizar cualquier sesión fotográfica que se te ocurra.
Ahora bien, analizando de manera imparcial podríamos decir que el inconveniente más notable sería el tiempo de reciclaje del flash, aunque esto dependerá del tipo de fotografía que realices, en algunos casos pudiera no ser un inconveniente.
Mientras más moderno y sofisticado sea el flash menor es su tiempo de reciclaje, y que, existen accesorios para estos flashes que reducen el tiempo de reciclaje notablemente.
Otro inconveniente es la dependencia de energía para cada flash portátil que se utilice. Lo que te conducirá a cargar con al menos 2 recambios de pilas por flash para cada sesión de duración corta. Si se alarga la sesión de fotos tendrás que ampliar la cantidad de recambios.
La fotografía strobist se basa en iluminar nuestras tomas con diversos flashes y accesorios que tienen dos características comunes fundamentales, y que además son la premisa principal del strobist:
- Que sean portátiles
- Que tengan un precio asequible
Podemos afirmar que, David Hobby ha conseguido acercar a su manera el mundo de la iluminación profesional al fotógrafo aficionado
Es muy importante que entiendas el comportamiento de la luz en la fotografía, claro que siempre tienes la opción del “ensayo y error”, sin embargo, el buscar tutoriales en línea, leer artículos en blogs o asistir a un curso de iluminación Fotográfica te ahorrará mucho tiempo y lograrás tener mejores resultados.
Es importante que sepas como la luz rebota en las paredes blancas o se absorbe en los colores obscuros, como cambia la luz al usar un modificador de luz como la sombrilla, como la luz crea sombras en el sujeto al estar en una posición determinada, etc.
Cualquier cámara a la que le puedas incorporar un flash o tenga salida de cable para sincronización se puede utilizar para hacer Strobist.
Lo ideal será trabajar en modo manual y formato RAW.
Tipos de iluminación en retrato:
Existen cuatro tipos básicos de iluminación en retratos.
- Rembrandt Light: si observas la imagen, es un retrato en el que una parte del rostro está más iluminada que la otra y en la parte más oscura aparece un pequeño triángulo de luz.
Para conseguir este efecto debes poner el flash en un ángulo de 45º respecto a la cámara y en el lado opuesto puedes poner un reflector.
- Butterfly Light: se llama así por la sombra que se crea bajo la nariz con forma de mariposa al situarse la fuente de luz en un ángulo de 45º sobre la cámara, recibiendo el modelo la luz desde arriba.
- Loop Light:es un modo de iluminación intermedio entre el Rembrandt y el Butterfly. Su resultado es parecido a este último pero las sombras se desplazan ligeramente hacia el lado contrario a la fuente de luz. En este caso veremos un ejemplo con luz natural, fuente mucho más difícil de controlar pero con la que se pueden obtener excelentes resultados si aprendemos a manejarla.
- Split Light: Para lograr un efecto mucho más dramático, puedes utilizar este tipo de iluminación. En este caso, un lado del rostro queda totalmente oscurecido. Para ello, coloca la fuente de luz (un flash o la luz de una ventana) en el perfil que desees iluminar y a 90º de la cámara. Mira este ejemplo.
Estos son los cuatro esquemas más conocidos o utilizados, pero el creativo eres tú, puedes jugar con la luz como quieras para obtener tus propios resultados.
No existe una luz perfecta, sino que cada tipo de iluminación es perfecta según el momento, el lugar y el mensaje que quieras transmitir. El modo en que una fotografía es iluminada carga la mayor parte del mensaje.
Tu reto como fotógrafo consiste en aprender a adaptarte a las condiciones de luz que no puedas modelar y a dominar aquellas situaciones en donde tú controlas todo.
La mejor forma de potenciar la creatividad es trabajando la luz, echando a perder, haciendo fotos y analizando los resultados en busca de la toma perfecta.
Y RECUERDA: LA PRÁCTICA HACE AL MAESTRO
Practica constantemente, de esta manera en poco tiempo obtendrás muy buenos resultados. Busca cualquier situación en la que pongas en práctica tus conocimientos y técnica.
La fotografía es un arte de constancia. Si buscas obtener buenos resultados, entre más tiempo dediques, más rápido veras mejores resultados en tus fotografías.
Habiendo repasado estos conceptos básicos de fotografía, retrato e iluminación. Te animamos a realizar un ejercicio tomando en cuenta cualquier aspecto que haya sido novedoso para ti.
Recuerda que practicando es que descubrimos en que hemos mejorado y en que debemos trabajar para mejorar.
Anota tus dudas y preguntas para que puedas realizarlas el día del taller.
Recuerda que esto es una guía de apoyo y refuerzo, ese día hablaremos de lo arriba comentado y practicaremos.
Tu formaras parte de las prácticas y podrás involucrarte con los equipos.
Esperamos que esta guía de fotografía haya sido de mucho apoyo para refrescar tus conocimientos.
En fotografía nunca se deja de aprender. Es un arte en constante evolución y debemos hacerlo con ella.
Nos vemos el 26 de mayo para el taller de fotografía en tenerife.
Aprovechamos de invitarte a conocer más de nosotros, de nuestro portafolio fotográfico y de nuestros talleres para fotógrafos y aficionados, has click aquí www.carlosnegrin.com
